アールヌーボーの芸術的なスタイル

イギリスでのスタイルの直接の前兆は、オーガニックラインの表現力豊かな品質に大きく依存していたイラストレーターAubrey Beardsleyの美学と、応用芸術において重要なスタイルの重要性を確立したWilliam MorrisのArts and Craftsムーブメントでした。ヨーロッパ大陸では、アールヌーボーは、画家のポールゴーギャンとアンリドトゥールーズロートレックによる表現力豊かなラインの実験の影響を受けました。ムーブメントの一部は、日本の版画（浮世絵）の直線パターンの流行からも影響を受けました。

アールヌーボーの際立った装飾的な特徴は、その起伏のある非対称のラインであり、多くの場合、花の茎とつぼみ、つるの蔓、昆虫の羽、および他の繊細でしなやかな自然の形をとります。ラインはエレガントで優雅であるか、または強力なリズミカルで鞭のような力が注入されている場合があります。グラフィックアートでは、ラインは他のすべての絵の要素（形、質感、空間、色）を独自の装飾効果に従っています。建築やその他の造形芸術では、3次元のフォーム全体が有機的で直線的なリズムに包まれ、構造と装飾の融合が生まれます。建築は特に装飾と構造のこの統合を示しています。たとえば、鉄骨、ガラス、セラミック、レンガなどの材料を自由に組み合わせて、柱と梁が太い蔓になり、蔓が広がり、窓が光と空気の両方の開口部と膜状の突起物になる両方の開口部になる統一されたインテリアの作成に使用されました。有機全体の。このアプローチは、理由と構造の明確さという伝統的な建築的価値とは正反対でした。

アールヌーボースタイルで働いたアーティストやデザイナーはたくさんいた。より著名なもののいくつかは、スコットランドの建築家でありデザイナーであるCharles Rennie Mackintoshで、主に幾何学的なラインに特化し、特にオーストリアのSezessionstilに影響を与えました。ベルギーの建築家ヘンリーファンデヴェルデとビクターオルタは、非常にしなやかで繊細な構造が、フランスの建築家ヘクターギマールに影響を与えました。アメリカのガラスメーカー、ルイ・コンフォート・ティファニー。フランスの家具と鉄工デザイナーのルイマジョレル。チェコスロバキアのグラフィックデザイナー、アーティスト、アルフォンス・ミュシャ。フランスのガラスとジュエリーのデザイナー、ルネ・ラリック。アメリカの建築家ルイヘンリーサリバンは、植物のようなアールヌーボーの鉄工品を使用して、伝統的な構造の建物を装飾しました。そして、スペインの建築家であり彫刻家でもあるアントニオガウディは、おそらくムーブメントの最も独創的なアーティストであり、線に依存することを超えて、建物を湾曲した球根状の鮮やかな色の有機的な建造物に変えました。

1910年以降、アールヌーボーは古風で限定的なものになり、一般的には独特の装飾スタイルとして放棄されました。しかし、1960年代には、ニューヨーク近代美術館（1959）と国立近代美術館（1960）で開催された大規模な展覧会、および大規模な展覧会によって、スタイルが部分的に修復されました。 1966年にロンドンのビクトリア&アルバート博物館で開催されたビアズリーのスケール回顧展。この展覧会は、批評家からしばしば合格傾向として見られていたムーブメントのステータスを、19世紀後半のその他の主要なモダンアートムーブメントのレベルまで引き上げました。世紀。ムーブメントの流れはその後、ポップアートとオプアートで復活しました。人気のあるドメインでは、アールヌーボーの花のような有機的なラインが、ファッションやロックやポップアルバムのカバーや商業広告で使用されるタイポグラフィで、新しいサイケデリックスタイルとして復活しました。